Luis Paltré, pintor: “El artista debe transmitir lo que le emociona y en mi caso es la vida cotidiana, que se ha despreciado”

El pintor andaluz Luis Paltré presenta por primera vez sus creaciones pictóricas en solitario en Zamora. La galería de arte Espacio 36-Ángel Almeida reúne una treintena de sus cuadros hasta el próximo 29 de abril.

Es su primera exposición en la ciudad de Zamora, ¿cómo un cordobés lleva a exhibir sus pinturas en Zamora?

Fue a través de unos pintores amigos y se hizo una exposición colectiva de pintores realistas en el año 2020, y posteriormente, otra. Tras esas colectivas, donde compartí sala con autores como Enrique Reche, ha venido esta individual.

¿Qué puede verse en la muestra?

Por un lado, se ven cuadros pintados en El Bierzo porque a partir de unos talleres de pintura tomé contacto con amigos escultores de esta zona y he estado varios años viviendo a caballo entre León y Andalucía. Tanto la exposición como los últimos cuadros, pues hay un poco de las dos luces y muestro la respuesta que dé el pintor en cada sitio. Una primavera en El Bierzo no es lo mismo que la primavera de Andalucía o viceversa, por ejemplo, no había pintado nunca nieve.

¿Ha sido un desafío?

Cada tema tiene sus dificultades y sus problemas. Es simplemente la novedad y la infraestructura que requiere. Yo soy muy friolero y con la nieve... he sufrido mucho, pero lo mismo pasa con el calor extremo del sur; de hecho, acabo de participar en un taller de pintura en el Cabo de Gata. Me gusta esa dualidad, ese contraste entre una luz y un ambiente y otras luces y otros ambientes.

De sus palabras se deduce que pinta del natural.

Sí. Pinto muchos interiores y hago objetos cotidianos del natural porque también es muy cómodo. En cuanto al paisaje, si no se hace del natural sale una cosa académica muerta. El paisaje tiene una vida todavía más exigente que el bodegón hacerlo al natural. Respira algo en el natural que no se logra al hacerlo de una fotografía.

El bodegón es un instante detenido, un instante que se perpetúa y esa sensación me gusta mucho transmitirla

Habla de los bodegones, que es otra de las temáticas que presenta en Espacio 36. ¿Qué tiene de especial el bodegón para que lo trate?

El bodegón tiene para mí un componente temporal. Procuro que sea un bodegón, en muchos casos, integrado por objetos cotidianos, pero que, de alguna manera, están suspendidos en el tiempo. Es un instante detenido, un instante que se perpetúa y esa sensación me gusta mucho transmitirla.

En algunos de ellos ese tiempo parado lo refleja a través de cristales.

Pinté varios y ha sido una pena no haber podido mostrar alguno otro cuadro más grande de ese tema porque me dejaron pintar en una herrería antigua. Esos cuadros son fruto del diálogo de la naturaleza y del tiempo como ha pasado a través de los objetos que están representados, como esos cristales, cada uno de una clase. Y a mí me gustaba también el dentro-fuera porque todavía se intuye que hay una naturaleza que sigue estando libre.

Las obras pintadas al natural presentan un tamaño más pequeño que los bodegones, ¿a qué obedece?

El tamaño tiene mucho que ver con la infraestructura que se tenga. El paisaje al natural, te obliga a una infraestructura indistinta.

¿Cómo llega al realismo?

He pintado desde pequeño, pero estuve durante un tiempo haciendo pintura totalmente abstracta y poco a poco, de manera natural, fui derivando a la pintura naturalista y realista. Yo pienso que la pintura realista, para mí, ahora mismo tiene más contenido y más mensajes posibles que pueda tener la pintura abstracta. La pintura abstracta es muy difícil de hacer y puede decir muchas cosas, pero, de alguna manera, el identificar una realidad para muchos espectadores de mis cuadros, le evoca otra serie de cosas, que, en muchos casos, ya son ajenas al pintor. Yo creo que es más rico el contenido que tiene un cuadro realista.

Mis referentes han sido siempre el Museo del Prado, el clasicismo y los llamados grandes maestros porque tienen mucho que enseñar

¿A quiénes reconoce como sus referentes artísticos?

Mis referentes han sido siempre el Museo del Prado, el clasicismo y los llamados grandes maestros porque tienen mucho que enseñar. Muchas soluciones de qué pintar en realidad estaban ya resueltas en Veronese o en Velázquez. Ha habido en el siglo XX una serie de pintores que a mí me han condicionado, como puede ser Morandi, puede ser Balthus, o puede ser Hopper que, de alguna manera, han hecho una pintura un poco a contracorriente de lo que eran las grandes tendencias, pero su virtud ha sido también que han hecho una pintura muy personal, muy honrada.

El componente de sinceridad es una de las cosas que hoy más faltan en el arte

¿Ese aspecto para usted también es importante a la hora de crear?

Hay un componente importante en la pintura que es la sinceridad, que el pintor transmita cosas que realmente le han emocionado… Luego, evidentemente, para la pintura, como para cualquier arte, hay que tener un mínimo de talento, hay que tener una formación técnica que te permita expresar lo que tú quieras expresar. El componente de sinceridad es una de las cosas que hoy más faltan en el arte porque lo que hay es un derroche técnico, un montón de medios, de impresoras… pero no está saliendo a la pintura que podría salir de todo eso.

¿Y qué le emociona a usted?

Yo no tengo ni idea (risas). Lo que sí está claro es que hay cosas que sí y cosas que no. Tengo claro que no pinto y, sin embargo, una estantería con unos cochecitos, por ejemplo, puede ser un cuadro simpático. Me emociona la vida cotidiana, que creo que es lo que más se ha despreciado. Es como que el bodegón tiene que ser un objeto solemne y resulta que la vida cotidiana de la persona es un paquete de tabaco y un libro abierto.

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